莫奈静物摄影技巧,莫奈静物摄影技巧有哪些

大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于莫奈静物摄影技巧的问题，于是小编就整理了5个相关介绍莫奈静物摄影技巧的解答，让我们一起看看吧。

1. 超逼真油画，辛辛苦苦画得像照片一样真实，为何不干脆照一张？
2. 绘画时你能够用几种方法准确构图？
3. 什么是油画艺术语言的表现技巧？
4. 你对绘画中抽象艺术有哪些认识？能否详细分享一位画家的作品？
5. 有哪些值得推荐的静物画得好的画家？

超逼真油画，辛辛苦苦画得像照片一样真实，为何不干脆照一张？

你好，亲，很开心回答你的问题

在西方美术史上，许多油画流派，比如佛罗伦萨画派，新古典主义画派，巴洛克画派，洛可可画派，现实主义画派，巡回画派

这些油画流派，也许技法，风格，创作理念和思想有些不同，但是这些油画流派共同的特征，都是提倡客观写实的手法，再现一个时代的历史进程，再现一个时代的真实现状，再现一个时代的文化底蕴

这些油画流派都有一项共同的功能，就是记录功能，记录文艺复兴的宗教神话文化，记录上流社会，皇宫贵族的富丽堂皇的奢侈生活，记录俄罗斯社会的现状

这些油画流派具备相机功能

在印象派时期，相机出现，所以写实传统油画面临重大的挑战

于是演变了印象派，抽象派等流派，印象派中的***的油画笔触，抽象油画中夸张变形的形象，都是相机所不能表达的视觉艺术效果

但是，也不能说相机的出现，写实传统油画已经毫无价值

现在照相技术很发达，甚至一张照片，也可以用电脑软件ps处理成油画效果，甚至我们可以拍油画效果的艺术照

这个问题问得好，带有一定的普遍性。

下面就从三个方面谈一谈我对这个问题的认识。

一、油画和摄影不同的技巧

1、在照相机没有发明的一千多年前，古罗马人就开始了油画创作，到了“文艺复兴”时期，文艺复兴“三杰”达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗开始学习古罗马绘画，使得油画创作进入一个新的时期。几百年来，油画从“古典派”到“印象派”，发展到后来的“野兽派”、“立体派”、“抽象派”、“超现实主义画派”、“具象派”等等，到今天的“超写生画派”，无论它的工具、材料还是技法，都发生了巨大的变化。“古典画派”注重表现物事物的“立体感”、“空间感”和“光感”，“印象画派”则着重表现事物的“色彩感”和对自己“主观情绪的表达”，“立体派”则想在平面上表现出“三维”的立体空间，而“超写实主义”则注重把事物表现的“毫发入微”等等。这就是油画的魅力。

2、摄影。从1839年法国人达盖尔制造出，世界上第一台实用的照相机以来，到今天的近两百年里，虽然摄影技术得到了很大的进步，但是，无论拍出来的照片多优美，照相机的技法怎么灵活地运用，最后只要一张感光胶片，就能很好地表现出来，不需要再加上什么高深的技法。而且，许多摄影高手，都是从油画当中，吸取了构图、配色等技巧，所以，许多摄影作品最后的效果像油画。

二、油画和摄影所体现出的不同情感

1、油画。一幅成功的油画作品，不仅是油画家高超绘画技艺的体现，更是他情感的表达，和无数个昼夜努力的结果，倾注了画家的心血，甚至生命。达芬奇用四年的时间，才画成了名垂千古的不朽杰作《蒙娜丽莎》，莫奈为了画一个不起眼的干草堆，没日没夜地画了两年多的时间，而中国画家冷军，为了画好一幅人物画，也是一画几个月，甚至更长的时间。

当今社会是多元的社会多种艺术极端的论战。中国人还是总体趋于喜欢真实的具象的东西，有些画家把他做到了极致赢得了观众的喜悦藏家的青睐。当今社会艺术到底到底是什么样的一种主流一种划时代的流派目前下结论为时已早，多元的社会多元的江湖门派。艺术的革新革命到底那门流派代表了当今社会之主流至今是个谜，也许历史会给出答案的。摄影技术其实早已到达前所未有的极度，数字艺术更是惊人。这些现象出现人们在艺术思维上艺术思潮上有了或多或少的探讨。由于某种效应某种条件某种时机等等诸多因素的影响，中国艺术品收藏和创作以及艺术家的思想出现了不同的格局和局面。整体来讲人们的文化素质是提高了不少，但是真正的文化素养美学素养审美情超还是比较原始和落后。追求真实的具象艺术还是主流，按常理艺术思想决定艺术格局决定艺术的发展规律。我相信新的艺术思潮和艺术史命是曲折的光明的前途是远大的。除这种所谓的真实艺术以外新的艺术形式终究会让人们所接受，艺术欣赏艺术鉴赏的品味会越来越好。

这就跟生孩子似的，直接去产房里抱一个，还是从备孕开始就亲力亲为，结果都是一个孩子，但差别是天上地下！

iphone11像素1200万，而绘画能达到1.2亿像素，别高估了相机。

这个画派叫超级现实画派，也是诞生在上个世纪60年代后期的美国，是一种全新的艺术流派。其实主要原因是绘画历史3万年，前辈画家们把该画的都画了，后来的画家被迫创新迭代，费劲心机。

这一派的艺术家反对抽象派艺术的潜意识情感，和绘画造型中和在造型中不具象的做法，

他们觉得应该排除一切主观想法，要真正做到纯客观地、真实地、甚至像摄影那样的再现物象，所以又有人称他们为“照相写实主义”。

（这个配图来自中国的超现实大师-冷军，他的一幅画拍卖纪录2.7亿人民币）

博尔特干嘛还要跑步呢，我开车就能秒赢他。歌手为什么还要真唱呢，用环音或对口型就好了呀，有音响代替，反正也听不出来。还下什么国际象棋呢，机器深蓝就能横扫顶尖棋手……其实看过超写实绘画作品的人都不会轻易与照片相提并论，更多的是欣赏作者高超的写实能力和匠人精神，这种能力不是谁都能做到的，有的人说不过是耐心，给我足够时间他也能做到，其实你可以叫这种人试试，保证他就没下文了，找个理由溜了。现在画超写实的人也挺多的，但能画的很好的往往是极少数，足以证明不是光有耐心就可以的，耐心只是第一步。画超写实其实是需要天赋的，有的人很明白自己没有这个天赋，所以另辟蹊径，是很明智的选择。艺术多元，写实只是其中之一罢了，难道非要把写实灭掉才好吗。其实事实证明，大众更多喜欢写实的，只是很多所谓专业人士忽悠大众说你们欣赏不来说的太业余不懂艺术之类得话打压大众对写实类艺术的喜欢而已。

绘画时你能够用几种方法准确构图？

看到「构图」二字就想到水平构图、垂直构图、[_a***_]构图？

看腻了吗？来点不一样的？

最近看了丰子恺的《认识绘画：丰子恺绘画十六讲》，丰子恺老师专门用了一个章节来讲构图。今天和大家分享一下～

丰子恺老师说，「构图」在中国画中被称为「置陈」，并归纳了八条构图规则。

一、凡一物象在画中的位置，不可太偏，但亦不宜太正。位在画面三分之一处，最为美观。

可以看这幅《花瓶中的蜀葵》，最亮的部分就是在画的三分之一处。

构图方法太多了，最常用以下四种构图方法：1、三角形构图，最常见的和最稳定的构图形式，此类构图画面稳定、主体突出、层次明确、错落有致，适合静物数量较少的组合。2、C形构图，画面动感程度优于其他形式的构图。这种构图方式使画面具有流动性。3、S形构图，曲线优点，优美而富有活力和韵味，所以“S“形构图给人一种美的享受，而且画面显得生动。4、水平式构图，画面安定、平和，可以增强画面的稳定感。水平式构图的物体不能放在画面正中，应当处于一个偏上或者偏下的位置。

水平线垂直线是一种西方的常用构图方法衍生为一点两点三点多点透视法。三角形构图通常在静物绘画中用上。中国画的构图法为散点***法，中心法，留白法，大写意法，小写意，主配角法，书法诗歌主题法，宏观法，微观法等等。中国画的构图技法复杂多变。

如何准确构图?

问题的指向是“写生”还是“临摹”?

这是两种不同形式，构图概念也大有不同，写生需要“取景”，临摹不需要。写生是你眼前所见，临摹是眼抄他人之见。何况惯摹粗略范图，降低个人鉴赏能力及作画习惯。

惯画临摹不一定擅长写生构图，惯摹常见写生起型困难定位精准度低。

而擅长写生，临摹构图则手到擒来。

我认为所谓绘画构图的三角形、S形、C形等等并不重要，重要的是要掌握构图的要点及关键点，回避那些犯忌的点，如忌正十字交叉、忌对称、忌二分之一断开、忌对角交叉等，在构图时形成本能的回避及时的处理，这样构图便随心所欲了。

什么是油画艺术语言的表现技巧？

她的眼睛会说话！欣赏达芬奇的蒙娜丽莎的微笑的时候，许多人都会有这样的感觉。可是，无论我们怎么聆听，却总也听不见蒙娜丽莎的片言只语！其实，这就是油画艺术的语言，其它艺术也一样有，太棒了！还是俗话说得好，眼睛是心灵的窗户。除了眼睛之外，还有身体语音，比如莫迪利安尼画的侧卧的裸女，她的卧姿，脸上的红晕，都在说她很性福，太传神了！结果被人花了十点八亿元买下了！当然了，我们常说手足传情，特别是舞者，说明肢体语言也很流行。总之，油画艺术语言的表现技巧很多，眼睛，身体，四肢等，都是会说话的宝贝！

我们印象中的语言通常指“口头语言”和“肢体语言”，最清晰易懂的应该属于“口头语言”了，其次才是“肢体语言”，比如，人的某个动作或眼神都在表现着人物的内心世界，在所有的视觉艺术里，最难琢磨的是绘画艺术的语言，因为绘画艺术“无声、无字”连人物的动作都是静止的，那么什么是油画艺术语言的表现技巧呢？

素描是油画的基础，油画是以“色彩和线条”为载体，“素描、色彩、线条”这三者就是油画艺术完整的语言，可以把“素描”比作人的骨骼、“线条”比作人的血肉、“色彩”比作人的皮肤，健康的骨骼、血肉、皮肤才是一个健康的人，这三者缺一不可，

艺术更是如此，没有素描的油画就好比一团“肉泥”，如果线条不流畅、色彩不欢快，那么这一幅画作就没有风格也没有灵魂了，然而在油画作品里，可以很容易看到的就是“色彩”了，给人带来强烈视觉效果的也只是“色彩”，所以说色彩成了油画艺术的语言，在表达种人物的各种情绪，

现在我们已经知道色彩是油画艺术的语言了，当然了，不同风格的油画作品就有不同的艺术语言，比如，印象派的色彩表现的厚重，让人看起来处处都是笔触的痕迹，寓意很抽象，就好比人情绪反应很大的时候，肌肉就变的紧张了，此时的笔触就是油画艺术语言的表现技巧，

现代的立体派或者“超写实主义”风格的油画，笔触细腻光滑甚至达到“毫无笔触”的效果，艺术的语言就由“光影明暗”来表现了，要知道“光影和色彩”是不在同一层面的概念啊，“光影效果”就好像化了妆的人一样，妆容就是展现给人的状态，总而言之，艺术家对“色彩”的处理就是油画艺术语言的表现技巧。

画，介于实物与虚构之间的人造事物。

在中国很简单，画是可视的话，话是不可视的画。

因此追求诗情画意达趣。趣在似象非象之间逗人的形式。

欧画用油彩，呈色块涂抹方式，色油斑斑再块块仅模糊不清。

但***出现后，色油块可展示光强弱，自此光分布画内，使画具立体。

立体性可达观者得抱抚程度，顶峰现，当摄像术出，欧画入死胡同。像突显出来。

像不是画。

油画以风景显示光线美妙，特别航海风暴刚过时，乌云仍重重，海涛仍凶涌，而几束光线由云中透出，照亮航途。希望胜过焦烦及疑迷。光的阴暗与光明就是油画的语事语言。技巧就是油彩调画出光及光影来。

因生现仅两大色块式的画品出来。

赞议一下，悟空问看后咱也在其上留上点啥。

这个问题太大了，首先油画是从15世纪以前欧州的蛋彩画发展而来的，逐步成为西方绘画的主流方式，从古典油画，近代，现代几个时期。古典油画因当时的历史及各种条件，只是写实，从解剖学，***学，材料学，明暗分布等形成严谨的造型科学原理，成为经长期制作，高度写实的面貌。到了近代，19世纪，由于对色彩认识的变化而出现变革，如康斯太布尔凭借对自然的观察写生而发现的补色原理，从而使后来的油画增加了色彩的对比，也形成一些具有鲜明特征的流派，如德拉克洛瓦的浪漫主义，法国的巴比松画派等。认识了光源色，固有色，环境色的关系，色调的主观意义等。到19世纪末期开始，西方油画发生了根本变化，油画不再以纯粹写实为原则，艺术家们将油画形式作为自己精神与情感世界的媒介，表现这个概念大行其道，如印象派率先离弃了传统的油画模式，创造性的使油画有了新的面貌，新的语言表达方式。到了当代，不同的艺术观念形成更多流派，传统的油画语言被分拆而又强化，单方的因素都甚至走向极端，重视结构的立体主义，重色彩的野兽派，什么表现主义，抽象主义等流派纷纷形成。而这个发展过程中，材料，技法也发生了很大变化。油画颜色的可塑性是极强，即可以透明，也可以厚堆，既可细腻，也可产生各种质地，肌理，既可多次覆盖，也可直接画法，技法上，笔，刀，手，布，擦，划，刮等方法众多，效果各异，材料上也从在古典的坦培拉到现代的发展变化具大，可使用，选择面很宽。所以油画的语言已极为丰富。

谢邀。油画正是以极为多样化的艺术语言表达技巧为世人呈现出一个异彩纷呈美轮美奂的艺术世界，让人们从中产生心灵的共鸣，人性的张扬，精神的愉悦，智慧的启迪和美的享受。

除了文学作品是以文字的形式直接表现语言技巧外，任何艺术都有它的语言表达方式，包括音乐，包括舞蹈，包括摄影等等，当然也包括绘画和绘画中的油画。

油画艺术语言的表现枝巧，是油画作为形象视觉艺术的一种表现形式，其语言的表现技巧是相当丰富多彩的。构图、造型、表情、动作、姿势、色彩、背景、光线、线条、笔触、肌肤等的运用处理都可以成为油画语言的表现技巧。

如米开朗基罗的《创世纪》就是典型一例。通过构图造型塑造出气势磅礴的宏大场面。有通过背景补充画的主体语言的，如乔尔乔内的《沉睡的维纳斯》。

有运用光线表达画面意思的，如伦勃朗的《夜巡》。有通过线条表达画家深刻寓意的，如毕加索的《六个女人》。有通过色彩传达主题思想的，如雷诺阿的《浴女》系列，有通过笔触张扬画家的审美理念的，如梵高的《向日葵》。有通过肌肤描绘来表述意境的，如安格尔的《泉》，画家用缺少光泽的天鹅绒般的笔触描绘出少女青春活力的肌肤。等等。

你对绘画中抽象艺术有哪些认识？能否详细分享一位画家的作品？

你对绘画中的抽象艺术有哪些认识？能否详细分享一位画家的作品？

一、我对绘画中的抽象艺术是这样认识的:

艺术的开端就是很微妙的一个过程，像中国的上古艺术一样，如作为创作者的“我”来说写了一个字，划了一条线等等很多对自然的传达，“我”表现的方式是美到极致的工细过程，今看似抽象，对“我”来说已经是一个很完美的具象的工笔过程了。

这段话的描述其实是我对如何来定义抽象艺术的一个诗意定义，我没有用美化的手法，所以抽象艺术不仅仅是在画面呈现的效果来定义的，或者说可以从画面内容和画面的呈现效果这两个方面来定义和陈述何为抽象艺术。

一幅作品的开始，从构思到完成的过程中，会有“无限的想法”让作品内容无法固定下来，这些“无限的想法”会无形的归入到抽象的层面，而这样的抽象是观者无法体验和感受到的，正因如此，往往就都被如风带走而忽略了。另外，作者所绘制和表达的作品思想，因为价值观的不同，所以作为创作者的“我”便留下了些许“余白美”的抽象内容。

所谓的余白，对观者来说，也给观者带来了如雨后春笋般无穷的抽象概念艺术，就像一个站在画前的观者说:“我不知道作者要表达什么内容，但我就是很喜欢这个感觉，它让我像是艺术家一样，用我自己的生命体验、旅程和感官去丰富和诉说我对一个画的感觉”。这是一种观者与艺术家作品“互动”而产生的抽象艺术，它们一起生长着。

这样的抽象“画面内容”在具像的中国工笔画里和具像的西方油画艺术里，同样也是能看到的，它就像“文化”一般没有一个完整的边界，永远的在充实和生长中。

从这个层面来说的话，作画的技法和载体的利用是看待作品是否是抽象艺术的两个重要法门。

作画技法上有用线条双勾内容的形象与颜色块面的表达，如果要定义前者的话，它是具象的中国工笔画作品或者西方的写实油画作品；后者，用颜色或者墨色的块面化表达作品的效果，实者便是抽象艺术作品，还是正如观者说:“我看不出来这幅作品画的是什么题材内容，但我就是觉得这样抽象的感觉挺美的！”

另外，在载体的利用上，作者会通过巧思妙想来把各个不同的载体，通过组合的形式来表达自己的艺术作品，正如上所说和分析，这样组合作品的内容上是可以“抽象”和“写实”的，如果在载体上既运用了线条双勾描绘对象，也运用了块面颜色表达内容，又运用了组合载体的形式，这样就无法也不能定义是“抽象艺术”还是“写实艺术”了。

抽象画派的画家也很多，比如我们熟知的毕加索、梵高，3我现在就说一说美国抽象派画家马克·罗斯科绘画。

美国抽象派画家马克·罗斯科，生于俄国，后移居美国，曾在纽约艺术学生联合学院学习，现代画家。师从于马克斯·韦伯。他最初的艺术是现实主义的，后尝试过表现主义、超现实主义的方法。以后，他逐渐抛弃具体的形式，于一九四零代末形成了自己完全抽象的色域绘画风格。

从早期的现实主义，到尝试过表现主义、超现实主义之后，这一段转折时期。对于一个画家来说，已经掌握了熟知的形成自己风格的成熟的画派，在转为另一种画派时，是很不容易的。他在20世纪40年代末开始形成了自己完全抽象的色域绘画风格。

我们都知道，在追求艺术的道路上，必须得沉下心来，努力奋斗，这个过程是漫长的，枯燥的。孤独的。他早年一直贫困交加，但是这种贫困没有打倒他，反而更加激发了他的创作欲望。一个人作品，就是反映出他的内心世界。他的作品沉静，有一股悬念含在里面、宁静的有点阴郁，高尚中还带着冷漠。......尽管再当时没有人收藏。但是他依然画着自己作品，画着自己的内心世界。

他的作品不是色块的堆积。而是人类的思想感情！

现在，他的作品闻名于世，有着不可估量的价值。这都是他在自我修炼中一次次超越自我的结果。

你对绘画中抽象艺术有哪些认识？

抽象画于作者本人来讲都是具象的，只是我们理解不了而巳。比如看不见摸不着的音乐，明明更为抽象，偏偏没有人认为音乐是抽象的。

因为是“心”感受到了曲子的“虚空”存在，“心”又把这种抽象主观武断的转化成了“实象”。

再说前几个月闹的沸沸扬扬的狗血【当代绘画艺术】抄袭案，身为教授的叶xx为什么宁可用几十年时间搞抄袭，也不愿意自己动一下“脑筋”呢？

答案很简单，没有“当代”思维逻辑概念的人，怎么可能搞出【当代艺术】呢？

而对于抽象国画，万变不离其宗的要看用笔所产生出的线条质量效果。***如没有书写基础的线条，只能称之为“涂鸦”。

遇到撑死了非要说它是艺术怎么办？笑死总比气死爽…………

抽象画派和抽象画，对于中国观众比较生疏。它是西方油画的一个画种，和艺术现象。用西方印象派画家高更的话说，是用梦想中的东西取代自然。

抽象一词源于翻泽曰本词汇。 抽象是具象的相对概念。中国画的大写意是意象。西方抽象油画，有点东方画大写意的意味。表观的是一种情绪，抽取了具体形象，看不出画的是什么东西。甚至有人训练动物，象，猪用油画笔胡乱涂上颜料，也说是抽象画，居然也有人出钱购买，哗众取宠…

中国画家画抽象画的不多，北京画院的石齐老师，人物画很好，知名度很高，近几年也画起了抽象画。在宣纸上胡乱的画上线条和颜料，隱隐地能看出一些人物局部形象，仍不为大众所欣赏，卖的是名气。用西方哲学家黑格尔的话说：存在的都是合理的。抽象绘画也有它的存在空间，和理由，只是不合我们东方民族的欣赏习惯罢了。

“不可理解”的抽象艺术

对于大多数欣赏者而言，“看不懂”往往是对抽象艺术最基本的反应

比起写实等具象的表达方式来说，大多数抽象艺术家会用无规律的形状和颜色以画家的主观表达方式表达出来，因此旁人是很难直观感受到艺术家要表达的意思

原因在于抽象艺术是缺乏内容的，因为它只有纯粹的形式，纯粹由颜色、点、线、面、肌理、构成、组合的视觉形式，抽象艺术没有技法、没有题材、没有相对通用的标准，只有感觉和观念

蒙德里安，荷兰最具影响的艺术家，抽象风格派最核心人物，非具象绘画的创始人之一，他用了一生来纠结画直线。主张纯抽象和纯朴，外形缩减到几何形状，颜色只使用原色。蒙德里安的艺术几乎纯粹到极致，他崇拜直线美，主张透过直角静观万物内部安宁

他早年也画过写实的人物和风景，后来才逐渐简化成水平与垂直线的纯粹抽象构成。晚年移居纽约，对建筑、工艺和设计产生很大影响，融合了过去不同时期作品风格加以延伸，色彩、线条呈现轻快的律动，画面的音乐性也在此达到最高境界

下面一起来欣赏蒙德里安的作品

蒙德里安最早是在具象和自然中一步步摸索和探求

在1909年时，蒙德里安接触到了通神论，这使得他的艺术思考发生了转变。宗教的力量赋予他对于神秘主义的好奇，他试图通过自己的艺术创作去表达宇宙万物内在潜藏的“纯粹真理”。

后来，蒙德里安逐渐把树木的形态简化成水平与垂直线的纯粹抽象构成，他逐渐摆脱了自然的外形，直接触及事物内在精神性的本质，将其外化成为抽象的形体。

1912年，蒙德里安陷入立体主义的块面结构之中。他在巴黎的最初几年里，受到毕加索、勃拉克的分析性立体主义影响，作品在色彩上喜爱使用灰、绿、赭石三种颜色。但是，蒙德里安虽然热衷于立体主义，但他更重在超规。之后，他画树木或房屋几乎只用线来构成，形成一种高度分析后呈现的画面。

有哪些值得推荐的静物画得好的画家？

【文藏来答】大家好，我是文藏的艺术小编Kiki~如果各位喜欢我的回答，就请给我一个赞或者是一个关注吧！

卡拉瓦乔《捧果篮的男孩》局部

有哪些值得推荐的静物画得好的画家，也就不得不说到西方17世纪绘画艺术史上最瞩目的黄金时代，荷兰就像一个备受上天眷顾的***儿，集齐了“天时地利人和”，靠着不断扩张的海外贸易建立起新兴资本主义制度，宽松民主的社会环境，以及繁荣的市场经济，让传统的美术创作摆脱了以往封建礼教下的宫廷控制，开始大胆与世俗生活接轨，衍生出一系列缤彩纷呈的艺术画种，如历史画、肖像画、风景画、静物画、以及风俗画，而静物画以其独特丰富的象征寓意被当时的贵族阶级所追捧，在17世纪盛极一时。

荷兰静物画的历史诞生涉及到多种原因，最主要的当属商品经济，以及市场需求的催动，当时基数最大的肖像画艺术家因为自身的窘境，肖像的创作空间已经趋近饱和，在丰富的物质环境催生下，迫使他们努力去开拓新的绘画分支。我们从这些绘画创作者的自身属性来看，荷兰本土尼德兰民族特有的“朴实”态度使他们在绘画艺术创作时能保持高度客观冷静，而且，荷兰市民是加尔文宗信教的天堂，在这里，被欧洲天主教所排斥的各种新教派别在荷兰都可以受到庇护，这些新教普遍重视圣餐环节，新***们以一种纯净高尚的境界对待圣餐，他们非常注意美化圣餐环境，讲究器具的精美和品味，所以表现丰盛的餐桌绘画受到新兴资产阶级的欢迎。

卡拉瓦乔《水果篮》

在荷兰美术史上，静物画诞生的第一幅作品要算是卡拉瓦乔的《水果篮》，受其影响的荷兰画家不胜枚举，那些充满着异国情调，盛着美味珍肴的奢华器皿，华丽而又诱人，让所有的绘画者深陷其中，为之着迷。

静物画是一种饱含象征意义和画家感情的画作，它通过将各种元素“排列组合”布局安排，使绘画对象在造型和色调达到高度统一的和谐关系。在静物画的象征意义，也是多种多样，如鲜艳花卉代表时间的短暂流逝，不易保存、枯萎的油灯、慢走的钟则会表示生命的耗尽与短促，而中国的瓷器、茶叶代表历史时间的变迁。为此，关于荷兰静物画的题材，我们可以大致归纳为3个种类，分别是：餐桌静物画、水果花卉静物画和以表现谷物制品的静物画。

到此，以上就是小编对于莫奈静物摄影技巧的问题就介绍到这了，希望介绍关于莫奈静物摄影技巧的5点解答对大家有用。